Dina Pruzhansky est pianiste et compositrice. Née dans l’ex-URSS, après avoir grandi en Israël, elle s’est installée à New York. Son écriture s’est nourrie de ces cultures, parlant, outre l’anglais, le russe et l’hébreu. Sa dernière apparition sur scène était en mars dernier au Carnegie Hall où elle a interprété sa propre littérature. (English version below)
Voulez-vous évoquer votre parcours de vie et musical ? Sont-ils dépendants l’un de l’autre ?
Oui et non. Par cela, je veux dire que toutes nos impressions du monde qui nous entoure affectent certainement notre psyché, influençant ainsi à son tour la production créative. Mais les connexions entre le monde extérieur, les événements de la vie personnelle et le genre de musique que je crée sont indirectes, subtiles et fonctionnent de manière inconsciente. Si vous parlez de cataclysmes mondiaux majeurs, tels que, disons, la pandémie et son influence psychologique, j’y répondrai par une autre question.
La dernière apparition de Dina Pruzhansky sur scène était au Carnegie Hall où elle a interprété ses propres compositions.
Depuis un an la culture est en difficulté dans le monde. Qu’est-il aux USA pour les artistes en général et pour vous en particulier ?
En effet, au moment où nous nous parlons en ce moment en mars 2021, cela fait plus d’un an que toutes les performances live aux États-Unis se sont pratiquement arrêtées. Je me souviens très bien du choc initial de l’année dernière. Ma dernière performance live avant le lock-out, où j’ai joué mes compositions, a eu lieu au Carnegie Hall début mars 2020 – et jusqu’à la toute dernière minute, nous ne savions pas si la performance se produirait ou non en raison des préoccupations croissantes de COVID. Nous avons eu de la chance – mais les semaines suivantes, chaque institution culturelle a annulé ses événements. De nombreux artistes et organisations ont eu recours aux diffusions en ligne. D’autres ont complètement annulé la saison. Certains compositeurs ont déclaré avoir été très productifs pendant le verrouillage. Pour moi, l’effet initial était le contraire. Pendant le temps que New York est resté l’épicentre mondial du virus au printemps, je ne pouvais pas me résoudre à composer quoi que ce soit de nouveau. Au lieu de cela, je révisais mes anciennes œuvres et plaisantais en disant que la pandémie fait de moi un meilleur cuisinier plutôt qu’un meilleur compositeur – avec tous les restaurants et les cafés fermés, j’ai ravivé ma passion depuis longtemps oubliée pour la cuisine. Il m’a fallu environ trois mois pour revenir à la composition – quand New York a commencé à récupérer, moi aussi. Mais pour l’instant, les répétitions commencent à reprendre, de nouvelles dates de concerts sont prévues et les présentateurs sont prudemment optimistes pour l’été.
Vous vous présentez comme pianiste et compositrice. Pensez-vous mener ces deux facettes de musiciennes en parallèle ou bien votre projet est de vous consacrer pleinement à l’une ou l’autre de vos activités ?
En fait, au cours de la dernière décennie, je me présente comme compositeur et pianiste – l’ordre de ces mots compte certainement. En effet, j’ai tendance à me considérer davantage comme une compositrice qui joue parfois son œuvre (au cas où il y aurait un piano impliqué) et d’autres fois joue des œuvres d’autrui. Le plus souvent, je préfère que d’autres pianistes jouent mes pièces – c’est parce que le temps que je passe à les pratiquer en tant qu’interprète, je préfère passer à écrire de nouvelles œuvres. Mais je ne peux pas prédire ou déterminer ma préférence à l’avenir – il y a des moments où je deviens obsédée par un compositeur ou une pièce en particulier et je ne me calme pas tant que je ne partage pas ma passion avec un public.
Dina Pruzhansky : « Je suppose que lorsque vous êtes passionnée par ce que vous faites et restez fidèle à vous-même, le reste suivra.»
Au cours de la seconde moitié du XXe siècle, les compositeurs de cette période ont été peu joués hormis quelques-uns comme Philip Glas. On voit aussi que les nouvelles créations sont peu diffusées. Comment un compositeur comme vous parvient à se faire écouter, connaitre et reconnaitre ?
Je ne peux parler que pour moi-même ici – car quand il s’agit de tout ce qui concerne le « business » – et la large distribution est l’un de ces éléments commerciaux – je ne suis pas un bon exemple. Je ne connais aucune technique d’exposition particulière, bien au contraire – je n’ai même pas mon site Web. J’adore faire de la musique et partager ce qui est important pour moi à travers la musique, et cela me préoccupe. Je suis également heureuse de partager ce que j’ai à dire, avec une centaine de personnes, autant que je suis ravi de le partager avec des milliers de personnes. Le fait que mon travail soit entendu et reconnu, et qu’une commande en entraîne souvent une autre, est gratifiant. Mais si je devais m’asseoir et penser : « Alors, quand et comment devrais-je être largement reconnu? », cela ne m’aurait mené nulle part. Je suppose que lorsque vous êtes passionnée par ce que vous faites et restez fidèle à vous-même, le reste suivra.
Comment êtes-vous venue à la musique ?
Je suis née, bercée par la musique. Ma mère était professeur de musique; il y avait un piano à la maison, mon frère aîné jouait de la guitare. La musique faisait partie intégrante de notre vie quotidienne.
Dina Pruzhansky : « Là, où il n’y a pas de comparaison, il n’y a pas de peur.»
Est-ce que l’envie de composer est venue plus tard ou dès que vous avez touché un instrument ?
J’ai joué très tôt à l’oreille avant de commencer officiellement à prendre des cours de piano et à apprendre la notation musicale. J’essayais de jouer au piano n’importe quelle composition musicale ou une chanson que j’entendais, et quand je n’étais pas sûr de la façon dont la pièce se passait, j’improvisais davantage ou composais mes petites pièces à la place. En tant que jeune enfant, je ne pense pas être conscient d’une séparation entre improviser, jouer et composer – tout cela était de la musique telle que je la connaissais depuis le début.
Quand vous vous êtes mises à l’écriture, avez-vous dès le début sereine, sans l’inquiétude d’être comparée à des grands noms ? Ou la crainte qu’on vous considère alors comme prétentieuse d’aller sur un chemin jalonné des Bach, Beethoven ou autres ?
Depuis que j’écrivais de la musique depuis mon enfance, c’était quelque chose de naturel, une partie de moi qui était à l’aise – alors je l’ai pris pour acquis sans y penser en ces termes. En grandissant, c’était un moyen essentiel d’expression de soi et de communication avec mes proches, mais c’était aussi presque trop personnel pour être partagé avec le monde extérieur. Donc, pendant de nombreuses années, voire des décennies, je ne me suis pas qualifié de compositeur ni ressenti une envie particulière de partager ma musique avec les autres. Ce n’est que bien plus tard, dans ma vie d’adulte, que cette partie de mon moi musical a progressivement commencé à prendre une place centrale, devenant finalement une profession. En ce qui concerne la peur de la comparaison avec les grands maîtres classiques – là où il n’y a pas de point de comparaison, il n’y a pas de peur. Je crois que le but d’étudier une grande partition de Beethoven n’est pas de devenir un mauvais Beethoven, mais de s’efforcer d’être meilleur sur le chemin que vous empruntez. La musique est un monde vaste, en constante évolution et infiniment diversifié qui englobe des voix nouvelles et anciennes, grandes et petites, passées et futures.
Photos crédit Rusiko Mchedlishvili
Renseignement à Dina Pruzhansky
Le coin vidéo
In English version
Do you want to talk about your life and musical journey? Are they dependent on each other?
Yes and no. By this, I mean that all our impressions of the world that surrounds us certainly affect our psyche, thus, in turn, influencing the creative output. But the connections between the outside world, personal life events, and the kind of music that I create are indirect, subtle, and work in a unconscious way. If you refer to major world cataclysms, such as, let’s say, the pandemic, and its psychological influence – I answer it in the second question below.
For a year, culture has been in difficulty in the world. What is it in the USA for artists in general and for you in particular?
Indeed, as we speak right now in March 2021, it has been over a year since all live performances across the United States virtually came to a halt. I remember the last year’s initial shock very vividly. My latest live performance before the lockdown, where I played my compositions, took place at Carnegie Hall at the beginning of March 2020 – and until the very last minute, we didn’t know whether the performance will happen or not due to growing COVID concerns. We got lucky – but the following weeks, every single cultural institution canceled its events. A lot of artists and organizations have resorted to online streamings. Others canceled the season altogether. Some composers reported being very productive during the lockdown. To me, the initial effect was the opposite. During the time New York City remained the world epicenter of the virus in the spring, I couldn’t bring myself to composing anything new. Instead, I was revisioning my older works and joking that the pandemic makes me a better cook rather than a better composer -with all the restaurants and the cafes closed, I reignited my long-forgotten passion for cooking. It took me about three months to return to composing – when New York started recovering, so did I. But right now, the rehearsals begin to resume, new concert dates are scheduled, and the presenters are cautiously optimistic for the summer.
You introduce yourself as a pianist and composer. Do you plan to lead these two facets of musicians in parallel or is your project to devote yourself fully to one or the other of your activities ?
Actually, during the past decade, I present myself as a composer and pianist – the order of these words certainly matters. Indeed, I tend to view myself more as a composer who sometimes plays her work (in case there is a piano involved) and other times plays works by others. More often than not, I prefer other pianists to play my pieces – this is because the time I spend practicing those as a performer, I’d rather spend writing new work. But I can not predict or determine my preference in the future – there are times when I become obsessed with a particular composer or a piece and won’t calm down until I share my passion with an audience.
During the second half of the twentieth century, the composers of this period were little played except a few like Philip Glass. We also see that the new creations are not widely distributed. How does a composer like you manage to be heard, known and recognized ?
I can only speak for myself here – since when it comes to all things « business » – and wide distribution is one of these business elements – I’m not a good example. I am not aware of any special exposure technique, quite the opposite – I don’t even have my website. I just love making music and sharing what’s important to me through music, and I’m preoccupied with that. I’m equally happy to share what I have to say, with a hundred people, as much as I’m delighted to share it with many thousands. The fact that my work is being heard and recognized, and one commission often leads to another, is gratifying. But if I were to sit around and think – « so, when and how do I become widely recognized? » – that would have gotten me nowhere. I guess when you are passionate about what you do and are staying true to yourself, the rest will follow.
How did you come to music?
I was born into music. My mom used to be a music teacher; there was a piano at home, my older brother played guitar. Music was an integrated part of everyday life.
Did the urge to compose come later or as soon as you touched an instrument?
I played early on by ear before I started formally taking piano lessons and learning music notation. I used to try and play on piano any musical composition or a song I heard, and when I wasn’t sure of how the piece goes, I improvised further or composed my little pieces instead. As a young child, I don’t think I was aware of a separation between improvising, playing, and composing – all of that was music as I knew it right from the beginning.
When you started writing, did you feel at ease from the start, without worrying about being compared to big names? Or the fear that you will then be considered as pretentious to go on a path marked out by Bach, Beethoven and others?
Since I was writing music from childhood, it was something natural, a part of me that came at ease – so I took it for granted without thinking of it in such terms. Growing up, this was an essential means of self-expression and communication with those close to me, but it was also almost too personal to share with the outside world. So, for many years, even decades, I neither called myself a composer nor felt any particular urge to share my music with others. It wasn’t until much later, in my adult life, that this part of my musical self gradually started taking central place, eventually becoming a profession. Regarding fear of comparison with the great classical masters – where there is no point in comparison, there is no fear. I believe the purpose of studying a great score by Beethoven is not to become a bad Beethoven, but to strive to be a better self at whatever path you take. Music is a vast, ever-changing, and endlessly diverse world that encompasses voices new and old, big and small, past and future.
